Einführung in die Ausstellung "WOHIN" von Alexandra Simon-Tönges

Anne Thoss: Wohin, 16. März 2025, Städtisches Museum Kalkar

Anne Thoss ist eine Künstlerin, die mit voller Leidenschaft (Leib, Seele und Geist) Kunst schafft –

eine Kunst, die bewegt und die immer eine starke Positionierung ausdrückt. In ihren Arbeiten

reflektiert sie kritisch politische und gesellschaftliche Themen, oft mit Bezug auf menschliches Leid

und Ungerechtigkeit. Ihr Herzensthema ist der Mensch und seine Würde.

Diesem Themenfeld nähert sie sich auf verschiedenen Wegen und mit unterschiedlichsten Medien

und Techniken: Ihr Werk umfasst Skulpturen, Installationen und Objektkisten, experimentelle

Fotomontagen, Fotografien, gerne auch digital bearbeitet.

Ein bemerkenswertes Projekt ist die Installation Kleiner Mensch, die uns mit Bildern von 96

Autokraten, Diktatoren und Populisten konfrontiert, während ergänzend ein Film läuft, der in einer

Abfolge von Einzelsequenzen Bilder von Krieg, Zerstörung und Leid zeigt. Hier kommen Fragen auf:

Wie verantwortungsvoll gehen Machthaber mit menschlicher Würde, Freiheit und Toleranz um?

Oder auch: Wie gehen wir mit unserem Nächsten um? Erschreckend für mich zu sehen, wie diese

Liste der Populisten und Autokraten immer länger wird. Es ist nicht nur ein Blick zurück in die

Geschichte, sondern wir sind heute mit Menschen konfrontiert, deren Ziel es ist, die Demokratie

abzuschaffen – wenn sie nicht bereits abgeschafft ist. So wichtige Werte wie Toleranz und Freiheit

stehen heute in der westlichen Welt so sehr zur Disposition wie seit dem 2. WK nicht mehr. Diese

Installation soll unsere Wahrnehmung schärfen, wohin der Ruf nach einer starken Führungsperson

führen kann. Was hinterlassen diese Autokraten? Verbrannte Erde. Und inmitten dieser

verbrannten Erde steht die Skulpturengruppe Menschenkinder. 80 Menschen(kinder), nicht

Mann, nicht Frau, nicht Kind, die vereinzelt und hilflos den gesellschaftlichen und politischen

Umständen ausgeliefert sind. Wie kleine Schachfiguren wirken sie, die beliebig hin- und

hergeschoben werden können. Sie stehen stellvertretend für alle Verfolgten, Vertriebenen und

Schutzlosen und thematisieren die Anonymität und Austauschbarkeit der leidenden

Zivilbevölkerung. Den Stellenwert der Kunst in der Autokratie deutet die leere Leinwand neben der

Installation an.

Wenn wir der Ausstellung weiter folgen, sehen wir, dass Anne Thoss den Bogen spannt vom Blick

auf das kollektive Schicksal von anonymen Menschenmassen in autokratischen Systemen bis hin

zum individuellen Einzelschicksal. – Denn ein Treiber für ihr künstlerisches Schaffen ist ihre eigene

Geschichte. Mit der Installation „Ein Leben“ schaut sie auf ihre eigene Familiengeschichte und

zeigt, was es bedeuten konnte, sich in einer Diktatur kritisch zu äußern und damit in existentielle

Not gebracht zu werden. Hier wird deutlich, welchen Unterschied es macht, ob allgemein über

Zahlen von Betroffenen (Krieg, Flucht) berichtet wird oder ein Geschehen am Schicksal einer

individuellen Person erzählt wird. So wird Statistik zur Tragödie.

Im weiteren Verlauf kommen wir zu den Objektkisten (oben und hier). Die Künstlerin kommentiert

hier das Zeitgeschehen, denkt über die menschliche Existenz und unser Dasein nach. Wie auf einer

kleinen Theaterbühne beobachten wir kleine Szenen, die aus einer Kombination von Fotografie,

Malerei und kleinen Dingen besteht, die geschichtet und übereinandergelegt werden. Wie in einer

Schatzkiste oder einem Koffer, in dem man Erinnerungsstücke und Geheimnisse aufbewahrt,

werden Ereignisse, gesellschaftliche Fragen oder Probleme gesammelt und archiviert. Konserviert

wird die Gesamtkomposition von einer Schicht Epoxidharz, die den Effekt der Tiefe und der

Schichtung noch unterstreicht.

Als Bildträger dienen Bankschließfach-Kassetten, die man öffnen und schließen kann. Für Anne

sind sie ein Mittel gegen das Vergessen – eine bewahrte Erinnerung, die sichtbar gemacht oder

verborgen werden kann. Der Deckel ermöglicht es jederzeit, den Blick von den schwierigen

1Themen unserer Gesellschaft abzuwenden oder auch bei einem Wiederöffnen neues zu

entdecken. Für den Betrachter können sie zum Assoziationsraum der eigenen Geschichte werden.

Da steht in der Objektkiste Illusion eine Tänzerin, zerbrechlich und anmutig zugleich, die davon

träumt, ihrer begrenzten Welt zu entfliehen. Die Sehnsucht nach einem anderen, freieren Leben,

bleibt aber womöglich eine Illusion (wie der Titel andeutet). Luxus und eine Welt des Überflusses

werden thematisiert, genauso wie eine wilde, unbändige und unbeschwerte Jugend zu zweit in

Spurensuche.

Hier im Raum sehr präsent der Tisch. Titel: Nein, Eure Suppe ess‘ ich nicht oder Tafel der

Menschheitssünden. Die gedeckte Tafel repräsentiert die gemeinsame Mahlzeit mit der Familie,

mit Freunden, Bekannten oder Geschäftspartnern. Dem gemeinsamen Essen wird in vielen

Kulturen eine wichtige soziale Funktion zugeschrieben, die weit über reine körperliche Sättigung

hinausgeht. Der Tisch ist ein Ort der Sozialisation, hier werden gesellschaftliche Vorstellungen

vermittelt und ausgetauscht. Die Tischgemeinschaft ist ein zentrales Symbol von

Zusammengehörigkeit (insbesondere innerhalb der Familie). Am festlich gedeckten Tisch kommt

man zu besonderen Anlässen zusammen, mit viel Mühe und Liebe wird das Essen zubereitet, der

Tisch dekoriert, die Speisekarte geschrieben (was ein unausgesprochener Akt der Zuwendung ist).

Die „geschlossene“ Tafel hat etwas Verbindendes und Gemeinschaftliches. Sofort denkt man aber

auch an die wohl berühmteste Mahlzeit der christlichen Kultur (wie auch der Kunstgeschichte):

Das letzte Abendmahl.

Aber hier: bei genauerem Hinsehen entpuppt sich jede Speise, deren Namen in Anlehnung an

Gerichte der Sterneküche gewählt wurden, als eine sehr kritische Leckerei, die uns regelrecht im

Halse stecken bleibt. Mit viel Wortwitz und auch einer gewissen Ironie serviert Anne

„Halbgefrorenes an Gletscherspalte“, „Toter Fisch im Plastikstrudel“

„Nimmersatt von Ausbeutung“

oder „Kapital an Gewinnsucht“. Die Themen sind vielfältig und die Grenze zwischen bitterem Ernst,

Sarkasmus und Ironie ist hier fließend. Der besondere Reiz liegt in der ästhetischen Überhöhung

und das Übertragen in einen anderen Kontext – hier die edle Tafel.

Wir leben heute in einer Zeit, in der wir unentwegt gesellschaftliche Ereignisse, persönliche

Schicksale, politische Wendungen oder auch Naturkatastrophen in der digitalen Welt

wahrnehmen, es ist kaum möglich, das alles zu verarbeiten. Die Kunst bremst uns regelrecht ein,

fordert uns auf, etwas länger bei einem Thema zu verweilen – einfach, weil es nicht in Sekunden

zu erfassen ist.

Mit ihren vielfältigen Arbeiten weist uns Anne Thoss auf unsere individuelle und gesellschaftliche

Verantwortung hin. Auf subtile, nicht bedrängende Weise fordert sie den Betrachter dazu auf,

Stellung zu beziehen und sich zu positionieren. Dabei stellen sich unweigerlich Fragen: Wie gehen

wir mit Erlebnissen und Erinnerungen um? Wie betrachten wir die Geschichte und welche Lehren

ziehen wir daraus für die Zukunft? Gleichzeitig ist ihr Werk ein eindringlicher Appell für Respekt

und Würde gegenüber jedem einzelnen Menschen.

Alexandra Simon-Tönges, M.A.

Kunsthistorikerin

Artikel von:  Sebastian Züger  

in Anlehnung an die Laudatio von Jürgen Kisters, Kunstkritiker Köln 

Wohin mit den Erinnerungen? Allen Menschen dürfte sich – bewusst oder unbewusst – von Zeit zu Zeit und immer wieder diese Frage stellen. Und 

viele von ihnen finden diese Antwort: ab damit in einen Karton, eine Kiste, einen Koffer. Denn Erinnerungen halten länger, wenn sie mit einem haptischen 

Gegenstand verknüpft sind – dem Erinnerungsstück. 

„… und in der Ferne leise“ hat die in Kleve lebende und arbeitende Künstlerin Anne Thoss ihre Ausstellung in unserer KULTURKIRCHE OST überschrieben. 

Denn genau da, selten nah, meist irgendwo versteckt und weit weg vom gegenwärtigen Geschehen bewahren wir sie auf, die aus dem Fluss unseres Lebens 

mehr oder minder zufällig herausgepickten Stücke, die vergangene Erlebnisse bezeugen – meist gute, manchmal schlechte – und sie allein durch ihre Existenz 

vor dem endgültigen Vergessen bewahren.

Aus dieser Praxis schöpft Anne Thoss ihre Kunst. „Objektkisten“ nennt sie ihre Arbeiten, die so mit Sicherheit keine andere Künstlerin auf dieser Welt herstellt. 

Seit 2014 fertigt sie ihre Erinnerungskunststücke aus ausrangierten Schließfachkassetten und überzieht sie zum Zwecke der Haltbarkeit, sicher aber auch der 

Verfremdung und der Annäherung an die üblicherweise vage Gestalt von Erinnerungen, mit mehreren Schichten transparenter Lacke und Harze.

„Da hängt viel Arbeit dran, an so einer Kiste“, sagt Thoss. Diese Arbeit ist einerseits praktischer Natur: Keine Schließfachkassette bleibt die Schließfachkassette, die 

sie mal war, allesamt durchlaufen die ehemaligen Schubladen einen aufwändigen Prozess, ehe sie von Wind und Wetter und tausend kleinen Handschlägen der 

Künstlerin ausreichend Patina angesetzt haben, um als Thoss’sche Objektkiste Ausstellungs- oder Sammlerwände zieren zu können.

Alleinstellungsmerkmal

Mit ihren Objektkisten hat Thoss etwas geschafft, wonach die meisten Künstler streben: ein Alleinstellungsmerkmal, im Businessdeutsch gern „USP“ (Unique Selling Point) genannt. Darauf wies in seiner Einführung zur Ausstellung auch der Kölner Kunstkritiker Jürgen Kisters hin: „Anne Thoss ist Autodidaktin, sie war nie auf einer Kunstakademie. 

So hat sie Lösungswege für ihre Themen gefunden, auf die ausgebildete Künstler wohl nie gekommen wären, weil sie stärker festgelegt sind auf das, was Künstler vermeintlich zu tun haben.“ 

Apropos Themen: Marginalien sind Thoss‘ Sache nicht. Ihr geht es um nichts weniger als das Große, Ganze. „Bevor ich 1996 freischaffende Künstlerin wurde, war ich 

Sozialarbeiterin“, sagt sie. „Da ist man einfach vorbelastet.“ Es geht um die Menscheit, ihre Existenz und ihr gefährdetes Fortbestehen, um die Verantwortung des Einzelnen und der Gesellschaft, um Geschichtliches, Gegenwart und die notwendigen Umbrüche für eine lebenswerte Zukunft. 

Anknüpfungspunkte findet Thoss auch in ihrer eigenen Vita. Sie wuchs im Westen Deutschlands als Tochter eines Vaters auf, der aus Ostdeutschland stammte und dem Krieg und Mauerbau die Heimat geraubt hatten. „Grenzen und wie man sie überschreiten kann, das ist auch immer ein Thema von mir.“

Bei aller Einmaligkeit: Festnageln lassen will sich  Thoss nicht auf das ihr eigene künstlerische Sujet der Objektkisten. Jüngst deckte sie für eine Ausstellung

„Die Tafel der Menschheitssünden“. Epoxitharz war auch diesmal wieder mit von der Partie, allerdings keine Bankschließfächer,  sondern Teller auf einem nur vermeintlich festlich gedeckten Tisch. Womöglich fürs wirklich allerletzte Abendmahl? Die Gerichte jedenfalls tragen solch leckere Titel wie 

„Halbgefrorenes an Gletscherschmelze“ oder „Toter Fisch im Plastikstrudel“.

Von der Jury des Kunstwettbewerbs „Art Figura“ im sächsischen Schwarzenberg gab’s dafür den dritten Preis. Es war nicht die erste Auszeichnung für Anne Thoss, 

und ganz bestimmt auch nicht die letzte …

Rede zur Eröffnung der Ausstellung im Kulturwerk Aachen "2 Frauen  - 2 Leben - 2 Positionen" von Alexandra Simon_Tönges, Kunsthistorikerin M.A.

Rede anlässlich der Eröffnung der Ausstellung „So dies und dass“ von Anne Thoss und Udo Unkel, im Maschinenhaus Scherlebeck am 1.9.2024

Unter dem Titel „So dies und das“ zeigen Anne Thoss und Udo Unkel bis zum 22. September Skulpturen, Installationen und Objekte aus den letzten Jahren. 

„Dies und das“ das steht für allerlei, manches, einiges oder vieles. Das im Ausstellungstitel vorgestellte „so“ lässt das Allerlei gar belanglos, zusammenhanglos, oder beiläufig erscheinen.

Und so stellt sich die Frage nach dem berühmten „roten Faden“ innerhalb der Werke der einzelnen Kunstschaffenden und den Schnittstellen beider künstlerischen Arbeiten hier in der Ausstellung. 

Ein Versuch.

Das erste „Dies und das“ steht direkt vor ihnen. Es ist ein Regal, das der in Dortmund lebende Udo Unkel hier mit einigen kleinen Dingen bestückt hat.

Während der Steinmetz, Bildhauer und Objektdesigner mit seiner Videoinstallation „Weltgeld“ - auf den immer abstrakter gewordenen Geldkreislauf verweist, bezieht er sich mit dem Objekt „Mi Balloon Dog“ ganz konkret auf den Kunstmarkt. So greift er mit dem zerfallenden Hund aus Schweinedarm die Form von Jeff Koons „Balloon Dog“ auf. 

Dessen orangene hochglanzpolierte Edelstahlplastik war 2013 bei Christie's für 43,6 Millionen Euro versteigert worden. 

Die quietschende Farbigkeit des Objektkastens hier in der Ausstellung verweist auf den Populär- und Kitschfaktor von Koons Arbeiten. Das Aufblähen und Zerfallen der Preise am Kunstmarkt können dem Betrachter bei „Mi Balloon Dog“ in den Sinn kommen. 

Neben dieser Videoarbeit zeigt Udo Unkel mit dem „Automat Nr. 2“ symbolisch seinen Blick auf die westliche Welt. Wie bei den früheren Kaugummi- oder Spielzeugautomaten wirft man hier Geld hinein und bekommt eine durchsichtige Plastikkugel, allerdings weder mit dem Einen noch mit dem Anderen. Die Plastikkugeln enthalten einen Rosenkranz, Schmuck oder einen Dosimeter.

Mit letzterem misst der Käufer, ob er radioaktiv verstrahlt ist. 

Für Unkel ein Symbol für Krieg, wurden doch infolge des Irakkriegs überhöhte radioaktive Strahlungen gemessen, ebenso wie im ehemaligen Jugoslawien und in Afghanistan. 

Schmuckstück und Rosenkranz stehen hingegen für Luxus und Glauben.

Ein weiterer Aspekt von Unkels künstlerischen Arbeiten zeigt sich in seinen kinetischen Objekten, die so genannten „Monster“, die sich in Bewegung setzen lassen.

So baut Unkel seit 2013 morbid erscheinende Wesen aus Tierknochen, Schädeln, Blechdosen und anderen natürlichen und unnatürlichen Fundstücken, die sich batteriebetrieben durch Hebel und Schalter in Bewegung setzen lassen und mitunter Geräusche von sich geben.

An Spielzeug erinnernd, wecken die „Monster“ auf der einen Seite eine humorvolle kindliche Neugier, auf der anderen aber auch Mitgefühl etwas Grusel und die Assoziation mit dem Tod.

Die archaisch-natürliche Wirkung der Tierschädel und -knochen steht der deutlich sichtbaren technischen Konstruktion und dem elektronischen Antrieb gegenüber.

So befindet sich neben „Herrn Schmidt“ und anderen auch das „snowball monster“ in dem Regalaufbau.

In Betrieb wirbelt das beflügelte Wesen in der Box kleine weiße Kügelchen auf, die hier als Schnee gemeint sind.

Klangen Aspekte des Krieges im Werk von Unkel bereits an, so lassen sie sich auch noch mal ganz direkt in den verschiedenen Helmen, ebenso wie in der Arbeit „Granat“ hinter dem Regal an, einer Granathülse mit einem Zündkopf aus Sand, der sich im Lauf der Ausstellung auflöst.

Neben popkulturellen und religiösen Elementen sind ebenso politische Aspekte zu finden, wie das Konterfei von Donald Trump gepaart mit einem mittleren Zeigefinger auf einem Skateboard zeigt.

Auch Anne Thoss beschäftigen die aktuellen und zurückliegenden politischen Machtverhältnisse, wie sie durch einzelne Machthaber:innen und Politiker:innen vorgelebt und durchgesetzt werden.

Die am Niederrhein ansässige Malerin und Objektkünstlerin zeigt hier einen Auszug der im Kontext des größer und als erweiterbar angelegten Werk „kleiner Mensch“.

Die hier ausgestellten Prints zeigen im Internet gefundene s-w-Portraits von ebensolchen Machtmenschen, darunter der diktatorische Regierungschef Libyens Muammar al-Gaddafi, den nationalkonservativen israelischen Ministerpräsidenten Benjamin Netanjahu, die Co-Vorsitzende der AFD Alice Weidel, davor zwei schmale Banner, die mit den Titeln „Flucht I“ und „Flucht II“ beschrieben sind.

Arbeiten wie diese lassen ganz konkret an den Krieg in der Ukraine und denjenigen im Gazastreifen sowie an die dahinterstehenden Verantwortlichen denken.

Ganz allgemein zeigen sie einen Aspekt, wie sich Menschen den Kriegs- und Krisenzeiten entgegenstellen oder versuchen ihnen zu entkommen.

Ein allgemeineres und abstrakteres Bedrohungsszenario stellt die Bildwelt in einem der Objektkästen von Anne Thoss dar, die hier ringsum an den Wänden zu finden sind.

Die mit „Tanz der Dämonen“ betitelte Arbeit aus dem letzten Jahr zeigt eine nicht genau definierte Gewalt, die zwei Menschen immer weiter zurückdrängt und zum Taumeln, ja fast zum Stürzen bringt. Auf der gegenüberliegenden Seite der Maschinenhalle finden wir drei weitere Kisten, die  Bedrohliches bergen mögen, aber auch auf einen anderen Aspekt von Vergangenem.

So sehen wir in „ausgezählt“ einen Männerkopf vor überkreuzten Stangen, die eine waffenähnliche Anmutung haben.

Daneben stilisierte Silhouetten von Industrie, Fördertürme, Fabrikgebäude mit riesigen Schornsteinen und rechts schließlich die Rückenfiguren zweier Männer vermutlich im Anzug.

„ausgezählt“ birgt somit Hinweise auf etwas Vergangenes, Zurückliegendes: 

handelt es sich bei dem Mann links um den „Ausgezählten“? 

Und sind die beiden Männer die „Abwickler“ dieses Vergehenden? 

Fragen, die sich hier stellen können.

Mit der Arbeit „Epochenende“ greift Thoss abermals das Thema „Industrien“ und Technologien auf und spielt damit auf den großen auch technischen Wandel unserer Zeit.

Dieser Wandel spiegelt sich auch in den verwendeten verschließbaren Kästen, denn es handelt sich um ausrangierte Bankschließfachkassetten.

Diese flachen Metallkästen verweisen in der ihrer eigentlichen Funktion enthobenen neuen Erscheinung auf den Wandel im Bankwesen, auf die Zunahme von globalem Handel und des online-bankings in den vergangenen Jahrzehnten und die damit verbundenen Filialschließungen zahlreicher Banken grade in den Vororten unserer Städte oder auf dem Land, die Anne Thoss wiederum im Internet, in Vintage Läden oder auf Flohmärkten findet und umnutzt.

Auch die ab 1898 errichtete alte Maschinenhalle hier in Herten hat mit dem schleichenden Niedergang des Steinkohlenbergbaus, der mit der Kohlekrise ab Ende der 1950er Jahre begann, eine neue Funktion als Ausstellungsort gefunden, ebenso wie die Bankschließfachkassetten bei den Arbeiten von Anne Thoss.

Sie selbst schreibt zu ihren Objektkisten: 

„Zu einem Zeitpunkt in der die Globalisierung weiter fortschreitet, die Vernetzung und Verstrickung im Internet zur Selbstverständlichkeit wird, gewinnen parallel dazu Kisten, Koffer, verschließbare Ordner wieder an Bedeutung. 

Sie werden zum Ort für Geheimnisse, für Geschichten zum aufheben und zum weitergeben. 

Jede meiner Kisten erzählt eine solche Geschichte. 

Die Geschichte die ich ihr gegeben habe muss nicht die sein, die der Betrachter darin vorfindet.“

Diese in den Objektkisten ausgelegten imaginären Spuren von Wandel und Vergangenem finden sich auch in den Fotomontagen, die mitunter eine surreale bzw. surrealistische Anmutung haben können. Die Anfänge der Fotomontage liegen bereits über einhundert Jahre zurück und finden ihren Ursprung in den Arbeiten der dadaistischen Kunstschaffenden Raoul Hausmann und Hannah Höch. Mit der Erfindung der digitalen Fotografie und Bildbearbeitung ist die Arbeitsweise über das analoge Arbeiten hinaus noch sehr viel vielfältiger und auch verbreitbarer geworden und wird sich mit der Nutzung von KI-Technologien noch einmal wesentlich verändern.

Das hier in der Ausstellung verwendete Fotomaterial stammt zumeist aus dem privaten Archiv von Anne Thoss, zuweilen aufgenommen in Städten im Süden.

Die verlassenen manchmal etwas verwunschen anmutenden Orte, der Zerfall, das Abblättern der Farbe von den Wänden verdichten die künstlerischen Themen wie das Zeigen von Wandel und Vergangenheiten im Werk der Künstlerin.

Zum Inhalt ihrer Arbeit sagt sie selbst: 

„Es ist grundsätzlich eine kritische Auseinandersetzung mit Vergangenem und Gegenwärtigem, auch damit wie der Mensch mit seinen persönlichen Erfahrungen und gesellschaftlichen Gegebenheiten umgeht, wie Verdrängung, Vergessen oder Glorifizierung... eine notwendige Auseinandersetzung, um ein Auseinanderdriften der Gesellschaft zu verhindern.“

Das Verorten des Menschen in Vergangenem und Gegenwärtigen spiegelt sich ebenso in den Skulpturen von Udo Unkel, die hier mitten im Raum platziert sind.

Es sind äußerst fragil wirkende Figuren, mit extrem dünnen Körpern, die aus kleinen Stahlteilen zusammengeschweißt sind. 

Die Oberflächen sind offen, aufgebrochen und von grober Struktur. Die Gesichter detailliert ausgearbeitet. So auch bei der Skulptur „Menschenfreund“.

Er begegnet uns beim Spaziergang mit einem Hirschen, der Spaziergänger selbst trägt allerdings das Geweih auf dem Kopf. Auch hier sind die Körperformen aufgebrochen, der Hirsch erscheint skelettähnlich auf dünnen Beinen. 

In den letzten Jahren fand er die aufgelöste Formensprache mit rauher Oberflächenstruktur, gestalterische Mittel, die Zerissenheit und Ambivalenz zum Ausdruck bringen.

Die Stahlskulpturen mögen an die des Schweizer Bildhauers Alberto Giacometti erinnern, der für seine dünnen langen Schreitenden bekannt ist, die er ab 1946 zunehmend entstehen ließ und damit die „Übermacht des Raumes“ zum Thema machte, wie man sie bisweilen auch hier sehen kann. 

Während aber Giacometti mit der für ihn typischen, groben Oberflächenstruktur unnahbare, weil unerkennbare Physiognomien schuf, sind die Gesichter und damit die Figuren von Udo Unkel immer erkennbarer und nahbarer geworden. 

Der Raum wird bei seinen Arbeiten mitunter zu einer imaginären Landschaft, wie das Beispiel des „Menschenfreund“ beim Spaziergang bereits zeigt.

Neben solchen profanen Themen, wie sie hier zum Beispiel auch im „Stelzenläufer“ zu finden sind, greift Unkel, wie schon bei dem Rosenkranz und der Jesusfigur im Regal zu sehen, auch in seinen Skulpturen mythologische und religiöse Themen auf.

Beispiel dafür finden sich in den Skulpturen mit dem Titel „Cisseis“, „Der Tod des Odysseus“ und „Mi Jesus“.

Cisseis hier dargestellt auf einem Wägelchen stehend und mit Flügeln, war nach der Erzählung von Ovid, der „Ilias“, die letzte Königin von Troja und Frau des Priamos.

Die 10 Jahre andauernde Belagerung von Troja und deren Eroberung hatten die stolze Mutter zahlreicher Kindern ins Elend gestürzt. Die Kinder wurden getötet, sie geriet in Gefangenschaft und wurde selbst Sklavin des Odysseus.

Sie gilt als Sinnbild eines schicksalhaften Lebens. Unkel zeigt sie wankend auf einem Wagen stehend.

Mit den Flügeln an der Figur eröffnet er gleichzeitig eine Assoziation zum Ikarus-Thema, einem mythologischen Symbol für den Hochmut.

Die heldenhafte Gestalt des Odysseus wiederum, der mit dem Trojanischen Pferd schließlich für den Fall Trojas sorgte, ist hier ebenfalls in der Figur mit dem Titel „Tod des Odysseus“ vertreten.

Eine Version zum Tode des Helden besagt, dass Odysseus tragischerweise und versehentlich durch seinen Sohn Telegonos, den er mit der Zauberin Circe gezeugt hatte, mit einem Giftstachel in Form einer Lanze getötet wurde.

Sowohl Udo Unkel als auch Anne Thoss werfen mit den in der Ausstellung „So dies und das“ gezeigten Arbeiten einen detaillierten umfassenden Blick auf das Menschsein, dessen Welt und Lebensumfeld. 

So begegnen uns zerrissene Figuren in unterschiedlichen Posen: beim Spazierengehen, ausbalancierend schwankend und nach festem Stand suchend, ebenso wie verlebte, teils zerstörte und sich im Übergang befindliche Orte, die von Anne Thoss, wie Bühnenbilder und Kulissen vor Augen treten und uns selbst einladen sie zu betreten und uns zu verorten.

Neben Aspekten von Krieg und Gewalt finden sich in beiden Werken politische und aktuelle Ansätze, wie die Portraits von Donald Trump oder Benjamin Netanjahu und anderen Personen zeigen.

Fragen, die sich mir mit der Betrachtung der Ausstellung stellten waren: 

Welche Rolle spielen wir einzelnen eigentlich in dieser Welt?

Nehmen wir uns zu wichtig, wenn wir doch gleichzeitig so fragil und ungeschützt sind?

Wie und wo finden wir Halt?

Wie können einzelne Menschen solch Leid auslösen?

Wie wollen wir mit Vergangenem umgehen?

Wollen wir Vergangenes ausblenden, so wie sich die Schließfachkassetten hier an den Wänden auch schließen lassen?

Und, wie können wir als einzelne Gemeinschaft stärken und erhalten, die uns letztlich mit trägt und schützt?

Darüber hinaus zeigt sie ein breites Spektrum künstlerischen Arbeitens.

Zum Einen das Arbeiten mit Fundstücken, mit Alltagsmaterialien, zum Anderen das Arbeiten mit natürlichen Materialien. 

Ebenso sehen wir das Weiterentwickeln von technisch produziertem Material, wie auch klassische handwerkliche malerische und bildhauerische Elemente in der Ausstellung „So dies und das“.

Und nun bleibt mir nur noch Ihnen viele weiter anregende Gedanken bei der Betrachtung der Werke und gute anregende Gespräche zu wünschen.

Simone Rikeit